Uno rapidito; corta ceremonia para tan larga noche

Tras superar las acometidas de la huelga de guionistas, la 80ª Edición de los premios Oscar parecía haber superado todos sus problemas, pero se vieron sorprendidos por una monotonía incapaz de predecirse.

El tiempo fue malo, llovía y la alfombra roja tuvo que ser tapada con plástico, perdiendo brillo y glamour.

Jon Stewart, conocido "humorista" americano, fue el elegido como maestro de ceremonias. Su peculiar sentido del humor se basó principalmente en chistes sobre la abundancia de actrices embarazadas y las próximas elecciones de Estados Unidos. Sus intentos de hacer la gala lo más amena posible, naufragaron debido a las larguísimas actuaciones musicales y las continuas retrospectivas cinematográficas, que no hicieron más que ralentizar el ritmo de la gala. La gran cantidad de "relleno" seguramente fueron daños colaterales producidos por el escaso tiempo que tuvieron los guionistas para preparar la gala tras la famosa huelga.

En cuanto a los premios, la anécdota más relevante se la lleva el Oscar honorifico entregado a Robert Boyle, creador de decorados como Con la Muerte en los talones, La sombra de una duda... Es uno de los creadores de arte mas famosos de Hollywood. El señor Hitchcock estará contento ya que trabajaron en muchísimas películas juntos.

Respecto a la sorpresa, el Oscar entregado a Javier Bardem como Mejor Actor de Reparto en No es País para Viejos, quien dedicó el premio, en un discurso lleno de fuerza y sentimiento, a su madre, Pilar Bardem, y a sus abuelos, "y por los cómicos de España, que han traido como ellos la dignidad y el orgullo a nuestro oficio".

Los premiados fueron los siguientes:

Mejor Película - No es país para viejos
Mejor Director - Ethan Coen y Joel Coen, por No es país para viejos
Mejor Actor Principal - Daniel Day Lewis, por Pozos de ambición
Mejor Actriz Principal - Marion Cotillard, por La vie en rose
Mejor Actor de Reparto - Javier Bardem, por No es país para viejos
Mejor Actriz de Reparto - Tilda Swinton, por Michael Clayton
Mejor Guión Adaptado - No es país para viejos
Mejor Guión Original - Juno
Mejor Dirección Artística - Sweeney Todd
Mejor Fotografía - Robert Elswit, por Pozos de ambición
Mejores Efectos Visuales - La brújula dorada
Mejor Banda Sonora - Dario Marianelli, por Expiación: Más allá de la pasión
Mejor Canción - Falling Slowly, de Glen Hansard y Marketa Irglova (Once)
Mejor Montaje - El ultimátum de Bourne
Mejor Montaje de Sonido - El ultimátum de Bourne
Mejor Sonido - El ultimátum de Bourne
Mejor Maquillaje - La vie en rose
Mejor Película de Animación - Ratatouille
Mejor Diseño de Vestuario - Elizabeth: La edad de oro
Mejor Película en Lengua Extranjera - The Counterfeiters(Austria)
Mejor Documental - Taxi to the Dark Side
Mejor Corto de Ficción - Le Mozart des Pickpockets
Mejor Corto de Animación - Peter & the Wolf
Mejor Corto Documental - Freeheld
Oscar Honorífico - Robert Boyle

Fuentes:

Oscar 2008: La Historia y la gala

La ceremonia Minuto a Minuto

www.movidacanalla.blogspot.com
www.elmundo.es

Independet Spirit Awards 2008

Anoche en la playa de Santa Mónica se concedieron los galardones más importantes del cine independiente, los Independent Spirit. Los Spirit se otorgan anualmente por Film Independent, una asociación que trata de promocionar filmes de autor. Podemos apreciar que las películas premiadas en Santa Mónica difieren de las de los Oscars. Veamos los galardonados:

- Mejor película: Juno.
- Mejor director: Julian Schnabel por La Escafandra y la Mariposa.
- Mejor actor: Philip Seymour Hoffman por La Familia Savages.
- Mejor actriz: Ellen Page por Juno.
- Mejor actor de reparto: Chiwetel Ejiofor por Talk to Me.
- Mejor actriz de reparto: Cate Blanchett por I’m Not There.
- Mejor guión: La Familia Savages de Tamara Jenkins.
- Mejor primer guión: Juno de Diablo Cody
- Mejor película extranjera: Once.
- Mejor documental: Crazy Love.
- Premio John Cassavetes: August Evening.
- Mejor ópera prima: The Lookout.
- Mejor fotografía: La Escafandra y la Mariposa de Janusz Kaminski.
- Premio Robert Altman al mejor cast: I’m Not There.

Sobre Iron Man

¡¡Yeah!! “¡¡I-R!! ¡¡IRON MAN!!” Como me gustaba esa serie, la que el opening era Tony Stark en su forja, y luego en una esfera a lo hombre perfecto de Leonardo Da Vinci.
(Si quieres ver de qué opening estoy hablando, pincha aquí)
Pero a lo que iba: La película se estrenará,se llevaba tiempo esperándola.

Pero para aquellos que el cómic americano sea un desconocido, ¿quién es Iron Man?

Iron Man es un personaje ficticio, héroe del universo Marvel Comics.
Fue creado por Stan Lee quien se encargó de la trama argumental, Jack Kirby que dibujó la portada y la armadura de Iron Man en el primer número, Don Heck como artista y escritor y Larry Lieber como escritor. Su primera aparición fue en el cómic Tales of Suspense N° 39 (1963).

A partir de entonces, es, junto con Lobezno (wolverine) y Spiderman, es el personaje más popular del mundo Marvel. Ha hecho multitud de colecciones de cómics, tanto en solitario como en grupo, cuya última colección ha sido las Civil Wars (fue durante mucho tiempo del cómic, los Vengadores, un grupo de superhéroes).

Iron Man es el alterego heroico de Tony Stark, un multimillonario científico especializado en robótica y armamento.
Un accidente en laboratorio le deja prácticamente inválido, pero Stara inventa un marcapasos potente que le recuperó la normalidad, e inventará una armadura protectora, que poco a poco, será la mejor armadura de combate del planeta…

Sobre las películas:
En la película animada Vengadores Ultimate, sobre el universo Ultimate. En el film, la identidad pública del Ultimate Iron Man no es conocida. Fue producida por Marvel Entertaiment y Lions Gate Films. Posteriormente, en Agosto de 2006 fue lanzada directamente en DVD la secuela de dicho film, Vengadores Ultimate 2 en la que también es incluido Iron Man y finalmente, en Enero de 2007, se lanzó un film animado en el que Iron Man fue el personaje principal, el invencible Iron Man. Una película live action sobre el personaje estuvo en producción con fecha de estreno para Noviembre de 2005, por New Line Cinema. Múltiples veces se reprogramó el estreno de la película (2005, 2006 y 2007). Sin embargo, los derechos sobre el personaje expiraron pasando nuevamente a manos de Marvel.
En Abril de 2006, los Estudios Marvel anunciaron que Iron Man estaba en producción y su nuevo director sería Jon Favreau, antiguamente Nick Cassavettes, y a mano de los escritores Arthur Marcum y Matt Holloway y que estaría previsto su estreno para el 2 de Mayo de 2008. La distribución pasaría a Paramount Pictures. A mediados de Julio de 2007, en el Comic-On de San Diego, Favreau anunció que "la armadura de Stark sería más como una plataforma de armamento que una simple armadura solo para volar". El 28 de Septiembre del mismo año se confirmó la noticia de que el actor encargado de dar vida a Anthony Stark/Iron Man, sería rober Downeyt, Jr., fue confirmado, luego, por él mismo.
Downey Jr. también aparecerá brevemente representando al mismo personaje, el la película The Incredible Hulk, en una escena junto al general thunderbolt Ross.


Es una película prometedora, pero como todas las películas de la Marvel sobre sus propios personajes, suelen acabar en malas críticas por su excesiva espectacularidad y poco fundamento de guión. Pero claro, a ciertos fans de los cómics no les importa demasiado…

En cuanto a las series, tuvo una en 1966 de poca difusión, y años más tarde en 1994, que tuvo dos temporadas, con unas técnicas avanzadas de animación incluyendo el ordenador cuando éste aún era incipiente y poco potente.

Fuentes:
http://sobrecomic.com/2007/12/08/el-comienzo-de-iron-man-el-hombre-de-hierro/
http://www.marvel.com/universe/Iron_Man
http://www.marveldirectory.com/individuals/i/ironman.htm
Trailers:
1º serie (1966)
2º serie, primera temporada (1994)
2º serie, segunda temporada (1996)
Trailer Iron Man (2008)

Munich: Lo que nunca fue noticia

1972. Masacre en los Juegos Olímpicos de Munich; once atletas israelíes son secuestrados y, tras negociaciones y operaciones de rescate fallidas, asesinados a manos del grupo terrorista de origen palestino Septiembre Negro. El gobierno israelí decide responder: pone en manos del servicio secreto israelí crear un comando secreto, formado por miembros desconocidos, cuya misión será localizar, buscar y asesinar a las personas, que según el Gobierno, son responsables de la matanza.

Los hechos reales: Munich, 1972

Los sucesos ocurridos durante las Olimpiadas de Munich en 1972 tienen el dudoso honor de ser el primer atentado seguido en directo a través de la televisión. La madrugada del 4 al 5 de Septiembre del mismo año, ocho miembros de la organización terrorista Septiembre Negro asaltaron las viviendas del equipo olímpico israelí matando en un primer momento a dos de sus integrantes y tomando como rehenes a otros nueve. Sus reclamaciones: la excarcelación de 234 presos palestinos en el Estado de Israel y de dos más, en cárceles de Alemania y su traslado a Egipto. Si no se cumplían, darían muerte a todos los rehenes. Israel se negó a negociar y seguidamente se trató de planear un rescate, para el que dicho país ofreció a Alemania el envío de un grupo de fuerzas especiales. El país anfitrión de los Juegos rechazó la ayuda. Después de horas de negociaciones, las autoridades facilitaron a los terroristas un transporte para El Cairo y todos, secuestradores y secuestrados, fueron trasladados a un aeródromo cercano a la ciudad de Munich, donde la policía alemana había tendido una trampa con la esperanza de liberar a los rehenes. Sin embargo, la coordinación de esta operación de rescate fue cuanto menos defectuosa. Los terroristas tuvieron demasiado tiempo para percatarse de que habían caído en una trampa. En una hora murieron cinco miembros de Septiembre Negro, un policía alemán y los nueve deportistas israelíes secuestrados. Tres de los secuestradores sobrevivieron. Fueron capturados, encarcelados y liberados meses después por las autoridades alemanas como parte de la negociación de un secuestro aéreo a manos de terroristas palestinos.

Sorprendentemente, estos hechos no tuvieron una excesiva repercusión en la celebración de los Juegos. La competición se suspendió el 5 de septiembre, día del secuestro, pero se reanudó al día siguiente con un homenaje a los muertos en el que, incomprensiblemente, el presidente del Comité Olímpico ni siquiera mencionó a los deportistas asesinados. Durante aquel acto la bandera olímpica y las de numerosos países ondearon a media asta en señal de duelo, no así las de varios países árabes que veían en aquel acto una claudicación ante Israel.

Lo que siguió nunca fue noticia. Oficialmente, Israel respondió al atentado el 9 de septiembre bombardeando bases de la OLP en Siria y en Líbano Pero, al mismo tiempo, la primera ministra Golda Meir y el "Comité X" del Gabinete israelí autorizaron otra misión de la que nunca se hablaría. Se ordenó al Mossad (el servicio secreto israelí) encontrar y asesinar a los supuestos responsables de la matanza de Munich y a diversos miembros de la OLP (Organización por la Liberación de Palestina) en una operación denominada “La Cólera de Dios"; el complot terrorista más osado y agresivo de la historia moderna, un programa de asesinatos tan controvertido como eficaz, con el lema sempiterno de "quien trabaje, colabore o simpatice con la OLP, está mejor muerto que vivo". A pesar de que el Gobierno y el Mossad no hayan reconocido nunca la existencia de este equipo de asesinos, un cierto número de libros y de documentales, basándose en fuentes internas (entre otros, dos generales israelíes lo confirmaron públicamente: el general Aharon Yariv en un documental de la BBC en 1993, y el general Zvi Zamir en una entrevista del programa "60 minutes" en 2001.), han ofrecido detalles acerca de cómo y por qué la "Operación Cólera de Dios" cumplió con su objetivo. Aquí comienza la historia de "Munich".



La polémica

“Hemos perdido a Hollywood y hemos perdido a Spielberg. Spielberg no es un amigo de Israel. Spielberg no es amigo de la verdad”. Estas palabras dedicadas a la película que tratamos provienen de Jack Engelhard, autor entre otras de la novela Una proposición indecente en la que se basó la famosa película homónima de Adrian Lyne, y pueden resumir de forma tajante una parte, al menos la más escandalosa, de las reacciones que Munich ha causado. “Con Munich, Spielberg corre el riesgo de dañar la imagen que adquirió entre los judíos norteamericanos y también entre los israelíes con La lista de Schindler”. Esta frase, publicada en The New York Times, recoge toda la polémica alrededor de la película. Gran parte de la comunidad judía ha visto como una ofensa la crítica que hace Spielberg a los métodos del Estado de Israel para combatir el terrorismo. La película ha sido acusada de pro-israelí por los árabes, de pro-árabe por los israelíes y hasta de ser neutral. La clave de este absurdo nos la da el propio Spielberg: “Una de las tareas que tuvimos con el guionista Tony Kushner fue no satanizar a nadie”. Sin embargo, este intento de ver el conflicto de forma neutral, sin buscar buenos ni malos, ha sido tachado de simplista e insultante.

Buena parte de la polémica en torno a la película deriva de una de las fuentes de las que se ha servido Spielberg: el libro “Vengeance” (Venganza), escrito por el periodista canadiense George Jonas y publicado en 1984. En él se narran las acciones de cinco miembros del servicio secreto israelí y como éstas afectan al grupo, y fue escrito a partir del testimonio de un agente que presuntamente tomó parte en la operación de búsqueda y asesinato de los responsables del atentado de Munich. “Creo que es una tragedia que una persona de la talla de Steven Spielberg, que ha hecho filmes tan maravillosos, haya basado esta película en un libro que es una falsedad”. Estas palabras provienen de David Kimche, un oficial del Mossad. Afirmación que se puede contrastar con declaraciones del propio Jonas sobre su libro: “No creo en esa noción cínica de que lo que es terrorismo en un hombre sea lucha por la libertad en otro. Los terroristas se definen no por sus propósitos políticos sino por los medios que utilizan para conseguirlos”. Tony Kushner, guionista de Munich, añade lo que muchos de sus críticos no han querido ver, que su película no es una reconstrucción fiel de los hechos: "Es una historia llena de paradojas y contradicciones. Es además una historia sobre una operación secreta, de modo que no se sabe nada a ciencia cierta y probablemente nunca se sabrá, así que nos permitimos inventar y tratar a estos personajes a un nivel más humano. Creo que hemos creado una muy escrupulosa obra de lo que yo llamaría ficción histórica”.

Ambas partes, palestinos e israelíes, se quejan de no haber sido consultados sobre los hechos que refleja la película de Spielberg, sin pensar que lo que busca el director no es una reconstrucción fiel de la historia, probablemente imposible debido al secretismo que la rodea, sino una reflexión. “Cuando me preguntaba por qué hacía la película, me respondía que debía contener un pedido de paz. Porque el mayor enemigo no es Israel o Palestina, sino la intransigencia. Cada uno ve en el otro el reflejo de un opresor mayor, y eso es lo que lleva al conflicto centenario entre árabes e israelíes”. Añade, “creo además que ningún libro ni ninguna película pueden solucionar el problema de Oriente Medio. Pero el intento vale la pena: creo que si los cineastas tienen el coraje de tocar ciertos temas es bueno para todos”.

Entre la crítica cinematográfica se puede leer de todo: algunos destacan un exceso de metraje (la película dura 2 horas y 42 minutos), la frialdad y falta de emoción de la propuesta y cierta obviedad en la presentación del tema moral que trata. Otros destacan la valentía de Spielberg al enfrentarse a un asunto como éste, que no solo da de lleno en la política del ojo por ojo de Israel sino que va más allá cuestionando lo que es legítimo en la lucha contra el terrorismo, un tema de candente actualidad. No son pocos los que alaban la habilidad cinematográfica de Spielberg para trazar una historia que, en el fondo y ante todo, es una película de suspense, y destacan el tono sombrío de la cinta. En ocasiones, leyendo diversas críticas da la impresión de que se habla de películas diferentes, lo que me lleva a pensar que estamos ante una de esas cintas que hay que ver para opinar porque despiertan pasiones, odios e indiferencias sin un patrón lógico.


La película

Éste es quizás el proyecto que más se ha mantenido en secreto en la carrera de Spielberg, algo que sorprende al recordar el circo vivido con la promoción de La Guerra de los Mundos: un secretismo extremo en cuanto al aspecto de los marcianos, la prohibición a los periodistas de publicar sus críticas antes del estreno de la película... Sin embargo, con Munich solo se supo durante mucho tiempo que Spielberg iba a realizar una película sobre los atentados que tuvieron lugar en la ciudad alemana. Sólo existe un poster y un trailer y el director únicamente ha concedido una entrevista que se adjudicó la revista Time. Munich apenas ha tenido campaña de publicidad, salvo una página web oficial en la que se incluyen numerosas notas de producción y entrevistas. No se han convocado ruedas de prensa para la presentación de la película y la polémica creada por el tema que trata está dando más fama a la cinta que la propia distribuidora encargada de la promoción. Spielberg justifica esta ausencia de bombo y platillo con un sentimiento: su deseo de que sea la película la que hable por sí misma.


Ficha Técnica

Dirección: Steven Spielberg.
País: USA.
Año: 2005.
Duración: 164 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Eric Bana (Avner), Daniel Craig (Steve), Ciarán Hinds (Carl), Mathieu Kassovitz (Robert), Hanns Zischler (Hans), Geoffrey Rush (Ephraim), Ayelet Zurer (Daphna), Omar Metwally (Ali), Ami Weinberg (General Zamir), Michael Lonsdale (Papa), Valeria Bruni Tedeschi (Sylvie), Yvan Attal (Tony), Lynn Cohen (Golda Meir).
Guión: Tony Kushner y Eric Roth; basado en el libro de George Jonas.
Producción: Kathleen Kennedy, Steven Spielberg, Barry Mendel y Colin Wilson.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Diseño de producción: Rick Carter.
Vestuario: Joanna Johnston.
Estreno en USA: 23 Diciembre 2005.
Estreno en España: 27 Enero 2006.

Fuentes:

www.munichmovie.com

www.labutaca.net

www.descontexto.blogspot.com

www.comohacercine.com

Natural Born Killers (1994)

Un filme peculiar del principio hasta el final. Natural Born Killers (1994) cuenta la historia de Mickey y Malllory, amantes y asesinos en serie. A la pareja la une su terrorífica afición: matar a todo aquello que se le cruce pero el camino. Viajan por la ruta 666 y cometen múltiples asesinatos por pura diversión. Gracias a los medios de comunicación se convierten en leyenda.
Un guión de Tarantino convertido en una visión personal y sangrienta de Oliver Stone. Se usaron 18 formatos diferentes y 3000 planos (la media es 750). Se hicieron más de 150 cortes para que la película no fuera considerada "R".

Dirección: Oliver Stone
Intérpretes: Woody Harrelson, Juliette Lewis
Guión: Quentin Tarantino
País: EE.UU.
Año: 1994

Fuentes:

Comas, A: De Hitchcock a Tarantino. Enciclopedia del "Neo Noir" americano. T&B Editores. Madrid. 2005.

www.youtube.com

www.imdb.com

"Akira" llegara a la gran pantalla con actores reales

Seguramente hayáis oído hablar alguna vez hablar del manga Akira, o posiblemente hayáis visto la película de 1988 del mismo nombre y que es la adaptación a anime que realizo Katsuhiro Otomo, que es a su vez el autor del manga. Si no la habéis visto os la recomiendo porque es increíble.

Pues desde hace unos años se lleva diciendo que se quería trasladar Akira a una película de imagen real con actores de carne y hueso, pues bien ayer mismo se firmo el inicio de acuerdo entre la Warner, poseedora de los derechos de la obra, y la productora de Leonardo Dicaprio para realizar no una sino dos películas. La primera se estrenara en el verano del 2009 y la siguiente sera en el verano del 2010. La película estará protagonizada por Leonardo Dicaprio como Kaneda y Joseph Gordon Levitt (era el hijo en Cosas de marcianos) como Tetsuo, y la dirigirá un director novel llamado Ruairi Robinson.

Habrá cambios respecto a la obra original, en vez de situar la película en NeoTokyo se situara en una ciudad llamada NeoManhattan. Para los que no lo sepáis la historia trata de que se ha producido la 3ª Guerra Mundial y el mundo ha quedado devastado, se empiezan a reconstruir todas las ciudades, una de ella es la ya citada Neo Manhattan. Sin quererlo un grupo de jóvenes motoristas se entrometen en una operación militar que tiene que ver con unos niños que tienen poderes psíquicos, que proceden de uno mas poderoso llamado Akira, el cual podría volver a despertar. Mas o menos este seria el argumento de la película, pero yo os recomiendo que la veáis porque vais a alucinar.


Fuente: www.blogdecine.com
www.wikipedia.es
www.imdb.es

CHARACTER STUDIES

Una curiosa rareza de mitad de los años veinte, exactamente de 1927. Una propaganda de la industria del cine con grandes estrellas del momento, como “Fatty” (Roscoe Arbuckle), Douglas Fairbanks, el gran Buster Keaton, Harold Lloyd y Rudolph Valentino.

Falta el que fue quizás, el más grande y el más difícil de carácter en ese tiempo: Charles Chaplin, que en compensación envió a Jackie Coogan, el niño co-estrella de The Kid, el más tierno film de Charlie.

Parece ser que podemos encontrar esta pequeña película en un Pack DVD coleccionista de Buster Keaton y en otro Pack coleccionista de Fatty con título THE FORGOTTEN FILMS OF ROSCOE "FATTY" ARBUCKLE.

Un video curioso que hallé en plena búsqueda documentativa de Buster Keaton y creo, puede ser de gran interés para los amantes del cine mudo, más allá de cualquier información que pueda daros acerca de Keaton que no sepáis. Al menos, este pequeño film les habrá robado una sonrisita recordando las acrobacias de un maquinista, los trapicheos de un pequeño vagabundo, o aquel señor obeso disfrazado de señorita cuyo sobrepeso no era un obstáculo para jugar con su agilidad y su energía.

Corto simpático por la buena realización y por la dinámica que aportan todos estos protagonistas que hicieron de su día a día laboral una ciencia por la que convertir un silencio en una carcajada.

Fuentes:
Imdb.com
Youtube.com

Rambo

Y, como no debería faltar en un blog de cine, daremos un breve análisis del guión de una película, y de su efectividad.
Y, para ser actuales, nos referiremos a John Rambo. (Rambo to hell and back, 2008)



La película, dirigida co-guionizada, co-producida y protagonizada por Silvester Stallone (vamos, que casi la hace sola él), nos devuelve a una fotografía clásica de los años ochenta, aunque con una tecnología digital que ahorrará costes.

La historia se desarrolla entre la frontera de Tailandia y Birmania, siendo la primera donde realmente se rodó la película, y la acción dura aproximadamente (tampoco está muy claro) un mes como mucho.

El argumento es el siguiente: Vietnam, Corea...ya ha pasado. Ahora la acción violenta por este lado del mundo se desarrolla en Birmania, con una violentísima guerra civil arrasando el país.

Un grupo de idealistas (y bien adinerados) cristianos americanos deciden ayudar al país de la miseria intentando aportar directamente medicinas y ayudas a la población civil.
Para ello, buscan en la frontera entre Tailandia y Birmania alguien que les haga cruzar el río que sirve de barrera natural.
En una aldea se encuentran un extraño hombretón, de complexión musculosa con la mirada perdida que tiene una barca, vive tranquilo y se dedica a cazar serpientes para el espectáculo local. (Nota del autor: si eso es una vida tranquila, debe desactivar minas de vacaciones...)

Bueno, el caso es que le exponen su cuita de atravesar el río y tal al hombretón que se llama John, el cual se niega al ver el nulo poder ofensivo que llevan consigo.
Pero claro, para esto en las expediciones están las rubias de bonita sonrisa, que convencen al señor para que les lleve.
Tras un breve y violento altercado con piratas del río (donde los pobres birmanos mueren todos a manos de Rambo) consiguen llegar a Birmania y ayudar a la población, mientras Rambo vuelve a su hogar.

En este momento de la película se desata en el pueblo birmano el apocalipsis: disparos de morteros, explosiones de cuerpos, gente tiroteada sin ninguna clase de escrúpulos, etc, etc, y se llevan como prisioneros el ejército birmano a los pobres americanos.

Entonces, unas semanas después, el reverendo de la iglesia de estos americanos solicita a Rambo que conduzca a un grupo de mercenarios a rescatar a sus feligreses, el cual acepta, viendo que la acción que necesitaba durante tanto tiempo está a a vuelta de la esquina.

Una vez desembarcan en Birmania el comando mercenarios y Rambo, el resto de la película se puede decir que tiene argumento a ritmo de balas antitanque.

Y es que durante los tres cuartos que restan para la finalización de la película, la película data sobre la táctica de los mercenarios para rescatar a los americanos y el apoteosis final en el que Rambo destroza prácticamente solo (bueno, con la ayuda de los mercenarios que quedan y el ejército birmano rebelde) el ejército birmano de ocupación, unos deliciosos momentos de violencia y sangre en estado puro.

Una vez todos salvados (menos los birmanos, claro) Rambo decide que su alma está en paz, y vuelve a su casa en California, donde espera su padre en una idílica villa con caballos...

La película sólo tiene una característica que la hace una buena elección en el cine: Rambo en su publicidad te promete una cosa que te la da.
Ciertas películas de actualidad te prometen personajes perfectamente definidos y redondos, un trama densa, un cuidado montaje...Para luego verlas con la esperanza de ver "la mejor película del año" según su publicidad, y el público se lleva una gran decepción.

Ahora, John Rambo sólo promete que es el final de la Saga de Rambo, y que la violencia, la espectacularidad y la acción está asegurada. Y eso es lo que te dan durante 90 minutos de largometraje.

Los efectos especiales, mezcla de efectos 3d con la más tradicional explosión y extras volando, dan una sensación de cuerpos destrozados por balazos y explosiones sanguinolentas de manera creíble y violenta. Simplemente el espectador se queda fascinado ante la lenta desintegración de los soldados muertos a manos de nuestro protagonista. Realmente efectivos.

La selección de los personajes es funcional, así que no se puede hacer un gran hincapié en su análisis puesto que la mayoría (incluido el protagonista) son planos, sin grandes cambios de actitud o evolución psicológica. Son puntos de conexión con el entorno y que derivan en acciones y poco más.

En conclusión: todo delega a un espectáculo de acción y sangre, entretenido y porque te dan justo lo que quieres ver. No será una gran película, pero vuelve al sabor primigenio de 1982, y en esta clase de saga, se agradece.

Fuentes:
http://www.imdb.com/title/tt0462499/
http://www.mangafilms.es/johnrambo/
Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=ksj17mte_Io

John Alvin

John Alvin era uno de esos artistas cuyo nombre le decía algo a muy pocos, pero su obra era conocida por medio mundo y parte del otro. Importante ilustrador de carteles de cine, su mano puede verse en los posters de películas tan famosas como ‘Alien’, ‘Blade Runner’, ‘La Bella y la Bestia’, 'La Guerra de las Galaxias' y un sinfín más. Su primera película fue la comedia de Mel Brooks, Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, 1974), pero pronto se convertiría en el favorito de George Lucas y de Steven Spielberg, y también en un diseñador de referencia mundial. Desde 1974, Alvin ha creado posters para más de 125 campañas publicitarias para productores como New Line Cinema, Warner Bros. Entertainment, Walt Disney Pictures y LucasFilm Ltd. Uno de sus trabajos, el cartel que hizo para ‘El Fantasma del Paraíso’, es considerado uno de los mejores carteles de la historia de la Twentieth Century Fox, y actualmente es exhibido por el Instituto Smithsoniano en uno de sus museos.

Alvin falleció el pasado 6 de Febrero, con 60 años, sin que hayan trascendido las razones. Servidor creció mirando embobadamente muchos de sus posters en las desaparecidas carteleras de los cines. Aquí abajo dejamos algunos de sus trabajos:

Fuentes:

www.johnalvin.com
www.filmclub.es
www.cinemanía.es

Munich: Un genio contra sí mismo

Para escribir sobre una película como “Munich” es recomendable sentarse, concentrarse y recordar. Contar sin contar. No es fácil hacerlo. Un complejo tema, unido a profundos mensajes y miradas filosóficas, puede hacernos caer en una trampa sin salida. Es fácil decir lo primero que se nos viene a la cabeza. Es fácil hablar sin pensar, sobre todo en tiempos donde la ignorancia y una primitiva espontaneidad son el fuego que aviva tanto odio irracional. La película me ha dejado de un mal cuerpo demasiado evidente. Hay algunas secuencias, algunas imágenes, algunos trozos rotos clavándose en los corazones de quienes, a mi lado, compartían la sala del cine aquel día.

Hay un mensaje concreto delante, y casi tres horas de un espíritu consecuente y ferozmente tenaz detrás. La violencia únicamente desencadena más violencia. La violencia no es espectacular. La violencia es, simplemente, algo aterrador. Una pesadilla que se esconde debajo del colchón de nuestra cama, dentro del televisor o de nuestros teléfonos. Un sueño convertido en terrorífica realidad, disfrazado de religión, de patria e ignorancia, de valentía, de heroísmo. Un pedazo podrido enfermando el corazón. Propagándose incansablemente. Destruyéndolo todo. No hay vencedores, no hay inocentes, no hay esperanza en un conflicto en el que, los distintos intereses políticos y económicos, descarrían y catapultan las posibles respuestas, hacen saltar por el aire las soluciones, para aletargar y prolongar el sufrimiento eternamente. Un mensaje desalentador, frío, cruel, amargo y brutal surgido de la parte más oscura de un director magistral, que sigue en su incansable busca del maestro, del genio que lleva dentro.

Los asesinatos narrados tampoco son espectaculares, los tiroteos son burdos, caóticos, realistas. Los actos terroristas saturan el metraje. Saturan la mente del espectador. La estructura narrativa de los ajustes de cuentas se reitera. Estos resultan repetitivos, penetrantes, en una rutina monstruosa y desasosegante. Todo ello en intervalos muy cuidados, con miles de detalles, densos pero no pesados. Sin concesiones. Sin cabida ni espacio para el romanticismo, ni la épica, ni tan siquiera para el respiro del presente.

En la cinta no hay buenos. No hay malos. Solo hay víctimas. El hogar cuesta caro. La paz no tiene precio en un mundo en el que la vida sí lo tiene.

Steven Spielberg, de conocido origen judío, con esta película trata el conflicto palestino-israelí juzgándose a sí mismo. Cuestionando sus compromisos con Israel y sin temor, teniéndolo todo, lanzado de cabeza a tan peligrosa campaña, junto a unos guionistas magistrales. Pero sin detenerse allí, porque sabe que la guerra de la que nos habla tiene frentes abiertos en otros muchos sitios. La herida es un mar de llagas clónicas abiertas, y mientras se cura una, otras nuevas y mucho peores surgen a su lado. El mensaje es por tanto, universal. Y de esta forma se centra en narrar los conflictos interiores de uno de los terroristas. Conflictos que todos entendemos, humanizando un drama del que nos hace a todos partícipes directos.

Los aspectos técnicos de la película están respaldados por un filtro difuminador que empaña las imágenes dando un estilo fotográfico antiguo y sucio, no decantándose por una paleta fija de colores, al transcurrir en diferentes localizaciones geográficas (Europa, Israel, EEUU, etc), que nos introduce en una ambientación más creíble y realista. Gusto estético que se da en sus últimas producciones con bastante presencia, véase como ejemplo Salvar al Soldado Ryan. Gusto que parece compartir con su fiel y siempre presente director de fotografía Janusz Kaminsky. También destacar la puesta en escena, protagonizada por la perfecta ambientación (tanto histórica como estética), con contrastes de color, junto a la banda sonora del maestro John Williams con temas dramáticos y contenidos a su vez, en los que mezcla ritmos árabes con judíos. En definitiva, un conjunto delicioso para representar una realidad exasperante. Una dirección artística cruda junto a una realización y fotografía detallista y cortante, al lado de las interpretaciones más implícitas y contenidas de sus películas (en versión original, porque el doblaje la destruye), tomándose el esfuerzo de rescatar, como es usual en sus trabajos, a viejos grandes actores europeos como Michael Lonsdale. Su película más europea sin duda. El estilo con que renueva los thrillers de los setenta con gran maestría. Alguna cámara lenta forzada se le puede achacar, pero estamos delante de una de las obras más importantes y valientes de este director inaudito, condenado por méritos propios a ser recordado junto a los más grandes maestros del séptimo arte (aunque con muchas discrepancias dentro del mundo, siempre tan difícil, del espectador).

Amigos, ir a verla. Sufrir con el descubrimiento del terror de esa violencia, tan lamentablemente a la orden del día, al otro lado de los telediarios. Acongojaros con la verdadera cara del terrorismo de estado. La manipulación informativa. Descubrir con vuestros propios ojos la desgarradora sensación de sentiros cercanamente afines a los que de verdad sufren la efectividad de la violencia desde todas las vertientes, para ser también testigos de una actualidad trágicamente eterna. Por cierto, analizar el plano final. Un final que tiene tantos significados como realidades.

Para más información acerca de los hechos reales, la polémica, etc.:

Munich: Lo que nunca fue noticia

Fuentes:

www.munichmovie.com
www.labutaca.net
www.cinépatas.com
www.cómohacercine.com

Homenajes con H

Esta es la portada del trabajo realizado por la revista Vanity Fair, que se publicará como entrega especial del mes de marzo. Un album fotográfico en el que actores actuales de la talla de Javier Bardem, Naomi Watts , Renné Zellweger, Jodie Foster o Josh Brolin, por citar a algunos, aparecen caracterizados protagonizando las principales películas de Alfred Hitchcock. Es el especial homenaje que la publicación brinda al maestro del suspense. Una obra de arte en conjunto de expertos fotógrafos y maquilladores que consiguen revivir los mundos de fantasía e imaginación de un espíritu eterno. Homenaje que se añade al realizado por el también director Martin Scorsese:

Key To Reserva

Algunas fotografías del Hitchcock's Portfolio:

Fuentes:

www.vanityfair.com
www.scorsesefilmfreixenet.com

¡Indy ha vuelto!

¡Ya está aquí el trailer oficial de la cuarta entrega de las aventuras de nuestro arqueólogo preferido. "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" se estrenará el 22 de mayo. De momento disfrutemos del trailer.

Fuentes:

www.youtube.com

www.blogdecine.com

Los Oscar que "disolvieron" la huelga

Después de tres enternos meses por fin finaliza la huelga de guionistas. El presidente de la WGA, Michael Winship ha publicado un comunicado en el cual explica con detalles los motivos de la tregua. La huelga paralizó notablemente el negocio televisivo y cinematográfico estadounidense. Finalmente los medios multinacionales cedieron, y acordaron modificar los contratos con WGA. Los acuerdos son válidos hasta mayo del 2011. Por consiguiente todos los guiones vuelven a reactivarse (‘La Liga de la Justicia’, ‘Spiderman 4′, el remake de ‘Pesadilla en Elm Street’, la secuela de ‘Transformers’ y un montón de trabajos más que quedaron empantanados; y las series: ‘24′, la nueva temporada de ‘Heroes’ , ‘Perdidos’, ‘House’, ‘Anatomía de Grey’ o ‘Supernatural’ ).

Una huelga revela los fondos sucios de muchos asuntos. La de guionistas duró tres meses y ha generado pérdidas millonarias. Iluminó de un golpe brutal la situación de los escritores en Hollywood. Germinaban historias para que la industria, al venderlas en Internet, olvidara pagarlos. El egoísmo sublimado de los estudios resultaba demasiado evidente. Por eso hubo huelga.

Por eso, cuando el Sindicado de Guionistas (WGA) anunció el acuerdo, finalizó un combate épico. «Si bien el acuerdo no es perfecto ni tampoco es lo que nos merecemos tras incontables horas de trabajo duro y sacrificio, nuestra huelga ha sido un éxito», comentaron en un primer momento los dirigentes del sindicato en su página web. Faltaba la ratificación de los 10.000 afiliados, pero nadie dudó que aceptarían.

El pacto guionistas/productores amplía la distribución de los beneficios del mercado digital. Gran noticia para los escritores, tanto tiempo marginados. Del otro lado, lo mejor para la industria es que hay tiempo. Tiempo, sí, para volver sobre los guiones de aquellas series ('CSI', 'Mujeres desesperadas', 'Perdidos', '24', 'Anatomía de Grey') a los que la huelga dejó en el chasis, para lustrar los pilotos que conformarán las propuestas del año próximo, pisar el acelerador de los incontables proyectos cinematográficos varados, recuperar la audiencia, que había caído en barrena (entre un 25% y un 50% del 'share' en el caso de las cuatro grandes: angustioso) y devolverle el golpe a los portales de Internet tipo Youtube. Aunque el mecano sea complejo y el gigante acuse la inactividad, los resortes funcionarán a tope en breve.
Ninguno de los concursos que las cadenas colocaron en lugar de sus series funcionó. Al final ha resultado que el público comprendía la diferencia entre la «telemierda» (Francisco Umbral) y la jugosidad de unos libretos escritos por profesionales. En el recuerdo, la huelga de los 80, cuando muchos programas no lograron recuperarse y comenzó a triunfar, gracias al trasvase de espectadores, la televisión de pago.

Con el acuerdo, al menos, Hollywood ha garantizado que los Oscar no serían un camposanto. Era la pesadilla última, la polución ensangrentada que abrasaba el sueño de los estudios, con los grandes hoteles vacíos, los televidentes fuera de juego, la publicidad perdida y el Teatro Kodak chapado. «Mi esperanza es que haya acuerdo, que quienes están sin trabajo puedan ponerse manos a la obra de nuevo y que se recupere la economía», rezaba, días antes del pacto, durante el tradicional almuerzo de los nominados a los premios de la Academia, Tony Gilroy, director de 'Michael Clayton'.

Sus plegarias fueron atendidas. En lugar de la ceremonia fiambre, cadavérica, de los pasados Globos de Oro, cuando los premiados fueron gritados durante una rueda de prensa sin chicha ni hueso, George Clooney, los hermanos Coen, Tim Burton, Cate Blanchett, Johnny Depp y Javier Bardem desfilaron ante el infierno de los fotógrafos escoltados por cámaras radiantes. ¿Se imaginan que la primera vez que un actor español se alza con la estatuilla no se hubiera paseado por la alfombra roja?

Quedan, como recordatorio, los mil millones de dólares que, según 'Los Angeles Times' y 'Variety', supuso la huelga, tan agria que incluso la resistencia blindada de los ejecutivos cedió ante la evidencia del precipicio.

Más detalles en http://www.comingsoon.net/news/movienews.php?id=41798

Fuentes:

La Huelga

www.elpais.es

www.movidacanalla.blogspot.com

La difícil despedida de Alfredo Landa.

Alfredo Landa anunció su retirada de los escenarios tras el último trabajo del director Jose Luis Garci, Luz de Domingo, estrenada el pasado 16 de Noviembre. La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España decidió otorgarle el Goya de Honor 2007 por toda una carrera. El actor pamplonés ya contaba con dos Goyas por sus trabajos en El Bosque Animado y La Marrana.

Tras una proyección con imágenes de las películas del protagonista de 'Atraco a las tres', 'El crack', 'Amor a la española', 'Los santos inocentes' o 'El vaquilla', Landa recibió el Goya de Honor de manos de José Sacristán y Miguel Rellán, y arropado por los aplausos de los compañeros de profesión y su familia. Pero Landa ofreció un discurso algo inconexo, quizá por la emotividad del momento. "No me puedo expresar bien, no sé lo que me pasa", dijo en varios momentos.

“No sé cómo decir gracias, es algo fuera de lo normal, este Goya de Honor se lo debo a mi profesión, que ha sido lo mejor de mi vida, lo que más aprecio", se le pudo entender entre líneas a Landa, quien en alguna ocasión también señaló que su falta de claridad era porque tenía "un galimatías, me vais a perdonar que no me haya podido expresar". Finalmente pidió a su familia que subiera a arroparlo sobre el escenario, y cuando se dirigía a hacer mutis junto a los suyos, volvió para decir "adiós, siempre adiós y para siempre". "Con dos cojones, maestro Landa", aseveró el presentador José Corbacho.

Alfredo Landa Areta nació en Pamplona en el año 1933. Hijo de un comandante de la Guardia Civil estudió derecho en San Sebastián, y durante la carrera, contribuyó a la fundación del Teatro Español Universitario (TEU) de la capital guipuzcoana.

Con 25 años se instaló en Madrid y empezó a trabajar en teatro y doblaje. Su debut cinematográfico se produjo en 1962 ni más ni menos que con Atraco a las 3 de José María Forqué. Desde entonces se ha convertido en uno de los actores más importantes del cine español, con más de 120 películas en su filmografía. Su carrera también se ha desarrollado en los campos del teatro y la televisión.

En su primera etapa como actor cinematográfico desempeñó papeles secundarios y poco después se reafirmó como protagonista absoluto de la comedia española del momento, simbolizando el prototipo del español medio en la década de los 70. Su personal estilo dio origen a “el landismo” todo un género cinematográfico que se desarrolló durante esta época.

Con la Transición, colaboró con los principales cineastas de nuestro cine, José Luis García Berlanga, Mario Camus, Basilio Martín Patino, José Luis Garci, José Luis Borau, José Luis Cuerda, Antonio Mercero o Manuel Gutiérrez Aragón. Es en esta época cuando el actor supo demostrar su talento con papeles de carácter y muy diversos como en El Crack, Los Santos Inocentes, con el que ganó el premio de interpretación en Cannes, compartido con Paco Rabal, La Vaquilla, o los citados El Bosque Animado y La Marrana, con los que ganó sendos premios Goya al mejor actor.

Algunos de sus éxitos televisivos en las últimas décadas han sido Tristeza de Amor, El Quijote o Lleno por Favor.

Una larga carrera. Un premio merecido. Y un artista que deja huella en nuestras pantallas. Adiós, siempre adiós y para siempre, Maestro.



Fuentes: Nuestrocine.com; imdb, hoycinema.

El Aura del Viento

Hacemos recuerdo de la memoria. Hace dos octubres que la muerte repentina de dos de los directores con más brillante carrera vislumbrada, dejaban la cara desencajada del medio y del público. Eduardo Mignogna y Fabián Bielinsky, a sus 66 y 47 años respectivos.

Mignogna (1940-2006) comenzó a trabajar en publicidad a principios de los años 70, al mismo tiempo que comenzaba su obra litetaria. Con la escalada de amenazas y atentados de grupos de extrema derecha tuvo que exiliarse en 1975 a Sitges y después a Milán, hasta regresar a la Argentina en 1981. Ya había colaborado en cine como guionista, pero en 1983 fue cuando tuvo su primera oportunidad como director con Evita, quien quiera oir que oiga que combinaba escenas documentales y entrevistas con la recreación actoral de la juventud de Eva Perón. Un innovador en la tradición cinematográfica argentina. Su filmografía no es reciente:

• El viento, 2005.
• Cleopatra, 2003.
  
• Cartoneros de Villa Itatí (mediometraje) 2003.
• La fuga, 2001, basada en su novela homónima.
• Adela, 2000.
• El faro 1998.
  
• Sol de otoño, 1996.
  
• El beso del olvido (telefilme) 1991.
  
• Flop 1990, sobre el actor cómico Florencio Parravacini.
  
• Evita (quien quiera oír que oiga), 1983.

Bielinsky (1959-2006) comenzó su actividad en cine hacia 1972, cuando se incorporó al grupo de cine del Colegio Nacional de Buenos Aires; con ellos rodaría su primer cortometraje, una adaptación realizada en Súper 8 del cuento Continuidad de los parques de Julio Cortázar. Acabada su educación secundaria, cursó estudios superiores en el Centro Experimental de Realización Cinematográfica del INCAA. Los concluiría en 1983, presentando, como obra de grado otra adaptación, esta vez de La espera, de Jorge Luis Borges. Con la pulida factura del cortometraje, protagonizado por Héctor Bidonde y Guillermo Battaglia, el célebre crítico Roland le propuso al director enviar una copia al festival de Cannes. Aunque no llegó a concursar allí, ganaría el primer premio del Festival de Huesca y se exhibiría repetidamente en numerosos festivales. Mucho más tarde, en el año 1999, ganaría un concurso con el que consiguió financiación para un guión que acariciaba desde hacía tiempo: Nueve Reinas, con la que desarrollaba un eficaz relato policial ambientado en el submundo de los estafadores profesionales, con un estilo muy diferente al cine argentino contemporáneo. La película cosechó premios internacionales por doquier, hasta tal punto que productoras de Hoolywood le ofrecieron dirigir el remake en inglés. Proyecto que rechazó para realizar su segunda película: El Aura.

Hacemos recuerdo de sus marcas. Elijo dos películas y su meollo. Lo demás, que es todo, descubrirlo con vuestros ojos y oidos.

El Viento, de Eduardo Mignogna

Una triste historia de reconciliación con el pasado y reencuentro con la vida. De manera reposada y contemplativa, con densos silencios y recuerdos reparadores, se adentra en un mundo de culpas y remordimientos que pesan sobre la conciencia de los protagonistas, y que es preciso aliviar antes de despedirse de una existencia agónica. Un western de ciudad, sin un solo disparo, junto a la tensión de una amargura contenida: pura serie negra en un baile francés con acento pampero, de tono poético y desolador. Humana, próxima y emocionante. La película supone la realización de un viejo y largo sueño de su director. Su realidad interior hecha imagen, donde la libertad se impone a la fuerza del viento, que sopla fuerte para que la historia se repita.

Dirección: Eduardo Mignogna.
Países: Argentina y España.
Año: 2005
Duración: 100 min.
Género: Drama.
Interpretación: Federico Luppi (Frank), Antonella Costa (Alina), Pablo Cedrón (Dufour), Esteban Meloni (Diego), Mariana Brisky (Gabi), Ricardo Díaz Mourelle (Comisario).
Guión: Eduardo Mignonga y Graciela Maglie.
Producción ejecutiva: Claudio Etcheberry y José Antonio Félez.
Música: Juan Ponce de León.
Fotografía: Marcelon Camorino.
Montaje: Marcela Sáenz.
Dirección artística: Margarita Jusid.
Vestuario: Beatriz di Benedetto.
Estreno en Argentina: 9 Junio 2005.
Estreno en España: 8 Julio 2005.

El Aura, de Fabián Bielinsky

Un viaje a la zona de la mente. En la película, el aura se describe como el instante previo al ataque de epilepsia, una sensación de libertad, la elevación del éxtasis, una iluminación que agudiza y amplifica los recuerdos, las sensaciones y las percepciones. El accidente natural que domina la compleja psicología de un taxidermista introvertido y agobiado, casi ausente, que vive en un micromundo dominado por la obsesión con la que se dedica a embalsamar animales o a recordar lugares, nombres, cifras o detalles aparentemente insignificantes con su prodigiosa memoria temporal y fotográfica. Utiliza la imaginación, como la mejor forma de esconderse y no frustrarse. En un clima hostil como el de los bosques patagónicos, convivirán en permanente tensión personajes que ocultan pasados, llenos de heridas y secretos, con la fuerza de la naturaleza, ciervos huidizos o un expresivo lobo que parece entenderlo todo. Un paisaje tan subyugante como sobrecogedor. Un vuelco interior. Una historia contada con íntima vocación cinéfila y, al mismo tiempo, con genuina aspiración popular.

Dirección y guión: Fabián Bielinsky.
Países: Argentina, España y Francia.
Año: 2005.
Duración: 134 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Ricardo Darín (Esteban Espinosa), Dolores Fonzi (Diana), Alejandro Awada (Sontag), Pablo Cedrón (Sosa), Jorge D'Elía (Urien), Manuel Rodal (Dietrich), Rafael Castejón (Vega), Walter Reyno (Montero), Nahuel Pérez Biscayart (Julio).
Producción: Pablo Bossi, Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky y Samuel Hadida.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Checco Varese.
Montaje: Alejandro Carrillo Penovi y Fernando Pardo.
Dirección artística: Mercedes Alfonsín.
Vestuario: Marisa Urruti.
Estreno en Argentina: 15 Sept. 2005.
Estreno en España: 21 Octubre 2005.

Fuentes:

www.lavozdelinterior.com
www.labutaca.net
www.filmaffinity.com
www.cinenacional.com